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L'Expressionnisme Abstrait s'est développé à New York dans les années 1940 et 1950 parmi des artistes qui se concentraient sur la visualisation du subconscient. Les peintres pionniers ont mûri en tant qu'artistes à une époque où l'Amérique souffrait économiquement après la Seconde Guerre mondiale.
Les Expressionnistes Abstraits ont cherché à défendre l'esprit et la liberté américains en créant un art audacieux, intrépide et plein d'émotion. Des toiles éclaboussées de peinture aux champs de couleurs géants, les artistes du mouvement ont utilisé leurs propres techniques expérimentales dans leurs œuvres. Cependant, ils avaient tous une chose en commun : un dévouement à l'expression de soi.
Poursuivez votre lecture pour découvrir six artistes célèbres qui faisaient partie du mouvement révolutionnaire Expressionniste Abstrait.
Voici six artistes célèbres qui ont contribué à définir le mouvement Expressionniste Abstrait.
Clyfford Still
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Bien qu'il ne soit pas aussi connu que certains de ses contemporains Expressionnistes Abstraits, le peintre américain Clyfford Still serait le premier à créer une œuvre abstraite dépourvue de sujet évident. Au cours de sa période de maturité dans les années 1940, il a créé ses champs de couleurs emblématiques qui expriment à la fois la vitalité et la mortalité. Il a peint des éclairs fugaces de teintes vibrantes qui s'interrompaient et contrastaient avec d'immenses étendues de couleur. “Ce ne sont pas des peintures au sens habituel du terme”, a encore dit une fois. “Ils sont la vie et la mort qui fusionnent dans une union effrayante … ils allument un feu; à travers eux, je respire à nouveau, je tiens un cordon d'or, je trouve ma propre révélation.”
Il a continué à produire de l'art jusqu'à sa mort en 1980. Cependant, la majorité de ses peintures sont restées méconnues jusqu'à ce que la ville de Denver construise un musée consacré à l'artiste en 2011. Le travail de Still a joué un rôle essentiel dans l'établissement de l'Expressionnisme Abstrait en tant que mouvement, et son style unique continue d'influencer les artistes aujourd'hui.
Jackson Pollock
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Le 8 août 1949, le magazine Life a publié un article sur l'artiste Jackson Pollock avec le titre : “Est-il le plus grand peintre vivant des États-Unis ?”
Lorsque Pollock est entré en scène avec ses fameuses “peintures au goutte à goutte” à la fin des années 40, personne n'avait rien vu de tel auparavant. Il a créé ses œuvres d'art à grande échelle en plaçant des toiles sur le sol avant d'y jeter de la peinture avec un bâton ou en versant du pigment directement à partir de la boîte. Il se déplaçait énergiquement autour de la toile pendant qu'il travaillait, laissant souvent des traces de son environnement chaotique sur la toile. En plus de plusieurs couches de peinture, certaines œuvres sont parsemées d'objets de l'atelier de l'artiste, notamment des clous, des allumettes et des mégots de cigarettes. Ses toiles de peinture fascinantes et colorées capturent la vie elle-même, ainsi que l'esprit anxieux de l'artiste. Pollock a vécu une vie recluse et a souffert d'alcoolisme qui a finalement conduit à sa mort prématurée à 44 ans. En 1956, il mourut après avoir conduit en état d'ébriété et s'être écrasé dans un arbre à New York.
L'héritage de Pollock est toujours vivant. Sa façon unique et passionnée de définir l'espace pictural continue d'influencer des générations d'artistes qui se consacrent à l'expression de soi. “Aujourd'hui, les peintres n'ont pas à aborder un sujet en dehors d'eux-mêmes”, a dit un jour Pollock. “La plupart des peintres modernes travaillent à partir d'une source différente. Ils travaillent de l'intérieur.”
Lee Krasner
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Travaillant dans le monde de l’art dominé par les hommes, la carrière de Lee Krasner a souvent été éclipsée par son rôle d’épouse solidaire de Jackson Pollock. Cependant, elle était une artiste brillante à part entière et une figure clé du mouvement Expressionniste Abstrait. “Il se trouve que j'étais Mme Jackson Pollock et ça se dit pas facilement”, dit-elle. “J'étais une femme, juive, veuve, un sacré bon peintre, merci, et un peu trop indépendant.”
La formidable détermination de Krasner transparaît dans les toiles audacieuses qu’elle a peintes. Elle travaillait instinctivement et peignait avec “un chaos contrôlé”. Sa série Little Image de 31 peintures démontre le pouvoir expressif de petites lignes et de gestes complexes. Elle a créé la série en faisant couler de la peinture directement sur la toile pour créer des surfaces richement texturées avec des lignes blanches et illustratives. Dans ses œuvres ultérieures, Krasner exprime son profond chagrin après la mort de Pollock. Ses grandes toiles aux couleurs éclatantes, rendues par des coups de pinceau affirmés, vibrent d'énergie. Elles expriment un sentiment d'exaltation et de guérison après un traumatisme émotionnel.
L'utilisation innovante de la couleur et de l'échelle par Krasner a finalement été reconnue dans sa première exposition rétrospective en octobre 1983 au Houston Museum of Fine Arts au Texas. Malheureusement, Krasner est décédée en juin 1984 d'une hémorragie interne due à une diverticulite et n'a jamais pu voir sa rétrospective avoir sa dernière exposition au Museum of Modern Art de New York.
Willem de Kooning
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Le peintre néerlandais-américain Willem de Kooning est célèbre pour son style dynamique et gestuel. Il a joué un rôle essentiel dans le mouvement Expressionniste Abstrait. Mais contrairement à d'autres artistes du style, De Kooning n'a jamais complètement abandonné la représentation de la forme humaine. Il a basculé entre l'art abstrait et figuratif tout au long de sa carrière, développant son propre style de peinture qui a fusionné le Cubisme, le Surréalisme et l'Expressionnisme. De Kooning est peut-être plus célèbre pour sa série de peintures Women, un ensemble d'œuvres alors controversé qui représente une image déconstruite de la forme féminine sous des coups de pinceau vifs et expressifs.
En 1987, à la fin de sa carrière de 60 ans, De Kooning a reçu un diagnostic de maladie d’Alzheimer. Cela n’a cependant pas nui à sa production artistique. En fait, il était plus prolifique que jamais et a continué à peindre jusqu'à ce que sa santé se dégrade sérieusement. Il a dit une fois “Je ne vis pas pour peindre. Je peins pour vivre.” L'artiste légendaire est décédé en 1997 à l'âge de 92 ans, laissant derrière lui un énorme corpus d'œuvres qui influence encore les artistes d'aujourd'hui.
Mark Rothko
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Le peintre américain Mark Rothko a expérimenté plusieurs styles artistiques avant d'arriver à ses peintures de champ de couleurs dans les années 1950. Ses compositions de carrés et de rectangles aux couleurs brumeuses sur de grandes toiles exprimaient une émotion pure, évoquant ce qu'il appelait “le sublime”. Ses œuvres plongent le spectateur dans une atmosphère intense et sensorielle. “Je considère mes images comme des drames”, a-t-il déclaré. “Les formes dans les images sont les interprètes. Ils ont été créés à partir du besoin d'un groupe d'acteurs capables de bouger de façon spectaculaire sans gêne et d'exécuter des gestes sans honte.”
Tout au long de sa vie, Rothko a défendu la pensée révolutionnaire sociale et le droit à l'expression de soi. Il a souvent estimé que le marché de l'art était trop critique et a refusé de se plier à ses attentes. Il a répondu publiquement aux critiques et a même refusé des commissions, des ventes et des expositions. Vers la fin de sa vie, la santé mentale de Rothko s’est dégradée. Il s'est suicidé à 66 ans.
Helen Frankenthaler
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L'une des artistes les plus influentes du XXe siècle, Helen Frankenthaler a inventé la technique du “trempage-tâche”. Inspirée par la méthode de coulée de Pollock, elle a renversé de la peinture diluée à la térébenthine sur la toile, produisant des lavages aux couleurs vives qui semblaient fusionner avec la toile. Comme Rothko, Frankenthaler a également contribué au mouvement Color Field Painting et a créé d'énormes toiles qui célèbrent les joies de la couleur pure.
Frankenthaler n'avait que 24 ans lorsqu'elle a fait sa percée artistique et elle a continué à expérimenter de nouvelles techniques et matériaux tout au long de sa carrière. Frankenthaler n'était pas conforme aux idéaux du monde de l'art. Elle s'est exprimée à travers une expérimentation et une innovation audacieuses. “Il n'y a pas de règle”», a-t-elle dit un jour. “C'est ainsi que l'art est né, comment les percées se produisent. Allez à l'encontre des règles ou ignorez les règles. C'est ça l'invention.”
Frankenthaler est décédée en 2011 chez elle à Darien dans le Connecticut.
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