La conservadora jefe Lesley Stevenson observa el cuadro junto a una imagen de rayos X del autorretrato oculto de Van Gogh (Foto: Neil Hanna /Galer´ias Nacionales de Escocia)

Mientras preparaban su exposición A Taste for Impressionism, los conservadores de las Galerías Nacionales de Escocia recurrieron a una técnica habitual en el mundo del arte: los rayos X. Este método se utiliza para examinar lo que hay debajo de los marcos y las capas de pintura. Al examinar un pequeño cuadro de Vincent Van Gogh, titulado Cabeza de campesina, la máquina de rayos X reveló algo sorprendente. En el reverso del lienzo, bajo capas de pegamento y cartón, había un fantasmal autorretrato del legendario artista.

El pintor holandés Van Gogh es más famoso por obras como La noche estrellada, pero sus melancólicos autorretratos también reciben mucha atención. La gente está fascinada con este artista que, en un momento de crisis, llegó a cortarse la oreja. Entre las más de 2,100 obras que creó se encuentra un sencillo retrato de una campesina. Pintado en 1885, justo antes de que el artista se trasladara de su tierra natal a los círculos artísticos de París, el cuadro presenta a una joven bastante seria con un voluminoso gorro blanco.

Al pasar por los rayos X, los conservadores descubrieron una imagen del artista con sombrero, pañuelo y oreja. Van Gogh a menudo reutilizaba los lienzos dándoles la vuelta y pintando en el reverso. El museo cree que el autorretrato se pintó después de Cabeza de campesina, cuando el artista vivía con los impresionistas en París. En esa época, su obra empezaba a ser cada vez más colorida y expresiva. Varios otros autorretratos pintados en el reverso de otras obras datan de ese periodo. El autorretrato fue probablemente cubierto por capas de cartón pegado a principios del siglo XX. Quitar el cartón será un proceso muy delicado, y actualmente los expertos están estudiando cómo podría hacerse. Por ahora, los visitantes del museo podrán disfrutar de una imagen de rayos X en una caja de luz junto al cuadro “original”.

Los conservadores de las Galerías Nacionales de Escocia descubrieron un autorretrato oculto de Vincent Van Gogh.

La radiografía que muestra el autorretrato. (Foto: Galerías Nacionales de Escocia)

Una radiografía rutinaria reveló el boceto fantasmal en el reverso del lienzo bajo capas de pasta y cartón.

“Cabeza de campesina” de Vincent Van Gogh, 1885. (Foto: Galerías Nacionales de Escocia)

Conoce más sobre este fascinante descubrimiento a continuación.

h/t: [BoingBoing.Net]

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Foto: The Doodle Boy
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A la mayoría de nosotros nos lleva tiempo descubrir lo que realmente nos gusta. Sin embargo, un niño de Inglaterra encontró su pasión a una edad extraordinariamente temprana y sigue asombrando a la gente con su talento. Un niño de 12 años llamado Joe Whale, más conocido como The Doodle Boy, se ha hecho famoso por sus divertidos garabatos. Inspirados en su vida y sus intereses, sus dibujos en blanco y negro se extienden por numerosas superficies, como murales, lienzos y, ahora, incluso libros.

“Llevo dibujando y pintando desde los tres años y el arte ha sido una parte muy importante de mi vida: dibujaba, pintaba y hacía manualidades cada vez que podía y eso no ha cambiado hasta hoy”, dice Whale en su página web. Cuando tenía 9 años, lo regañaron en la escuela por hacer garabatos en clase, así que sus padres le apuntaron a un curso de arte extraescolar. Sus compañeros de clase y los instructores rápidamente se dieron cuenta de las prodigiosas habilidades de Whale, y pronto le ofrecieron la oportunidad de decorar el interior de un restaurante en su ciudad natal.

Desde entonces, se ha corrido la voz sobre el talento de Whale para dibujar, lo que le ha dado fama en el Reino Unido y más allá. Sus garabatos abarcan un amplio y aparentemente infinito elenco de personajes con encantadores rostros de caricatura. “Mis personajes favoritos para dibujar son la comida, los monstruos y los extraterrestres”, explica Whale, “pero prácticamente creo garabatos de cualquier cosa, ya que me inspiro en mi entorno y creo personajes a partir de todas las cosas que veo, como mis personajes de hamburguesas y patatas fritas, flores, verduras, pasteles, nubes, etc.”.

Actualmente, el joven artista está ilustrando una serie de libros llamada Bad Food, escrita por Eric Luper. Ya están a la venta los primeros dos libros, Game of Scones, y The Good, and the Bad, and the Hungry, así como un libro para colorear titulado The Official Doodle Boy Coloring Book, que contiene 90 páginas de dibujos en blanco y negro. Además, en su tienda en líneaa se pueden adquirir impresiones y productos decorados con los dibujos de Whale. Si quieres estar al día de las aventuras ilustradas de Whale, puedes seguirlo en Facebook e Instagram.

Joe Whale, un niño de 12 años de edad mejor conocido como The Doodle Boy, se ha hecho famoso por sus llamativos garabatos.

 

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Tras meterse en problemas a los 9 años por dibujar en clase, sus padres lo inscribieron en un curso de arte.

 

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Su habilidad para hacer garabatos rápidamente se hizo notar, y a Whale le ofrecieron decorar el interior del restaurante Number 4 de Shrewsbury, Inglaterra.

 

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Desde entonces, ha tenido colaboraciones con grandes marcas como Nike y Disney.

 

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Check out my latest @Nike collaboration- this time for the @Lionesses big thanks to #berwickhouse for their hospitality!!!#nike #england #lionesses #doodle #comeonengland #football #joewhale #thedoodleboy pic.twitter.com/ZYf3dTFhbJ

— The Doodle Boy (@TheDoodleBoy1) July 12, 2022

Incluso ha ilustrado una serie de libros llamada Bad Food.

 

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The Doodle Boy: Sitio web | Facebook | Instagram | YouTube

Todas las imágenes vía The Doodle Boy.

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Hace casi 30 años, el escultor Jeremy Mayer desarmó una máquina de escribir. Al hacerlo, descubrió un medio que combinaba la creatividad con su amor por la máquinas vintage. Como la mayoría de las personas de cierta edad, Mayer recuerda haber tenido una máquina de escribir en casa. De niño, quedó fascinado con su diseño y movimiento. Ahora, como adulto, sus esculturas, que retratan pájaros de todo tipo, son maravillas estéticas que nos hacen pensar en el pasado y hacia dónde se dirige la tecnología.

Cada escultura está hecha de partes de diferentes máquinas de escribir que Mayer ha coleccionado a lo largo de las últimas décadas. No usa pegamento ni soldaduras; las esculturas son construidas usando los tornillos, tuercas y pernos de la máquina de escribir.

“Todo el proceso es como [usar] bloques de LEGO”, le dice a My Modern Met. “Mi proceso de estudio consiste en construir un enorme rompecabezas con infinitas combinaciones, usando solo lo que tengo a mi disposición de inmediato. La construcción implica mucho desmontaje y luego montaje de la escultura en curso, ya que las cosas no siempre se quedan unidas o no se ven del todo bien a la primera. Puede ser increíblemente frustrante, pero siempre, en última instancia, gratificante”.

Desde cuervos que mueven la cabeza hasta delicados gorriones que pueden extender sus alas, las esculturas de pájaros de Mayer capturan magistralmente la personalidad de cada animal. Después de varias décadas de usar máquinas de escribir, una elección que inicialmente fue provocada por su amor por el reciclaje y las finanzas personales, aún encuentra inspiración en ellas. “Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina”, comparte Mayer, “ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Por supuesto, también es muy consciente de que algunos pueden tener reacciones negativas al hecho de que desmonte de estas máquinas, señalando que las personas a menudo hacen las mismas preguntas que él se hizo cuando desarmó su primera máquina de escribir. Estas preguntas incluyen, “¿alguien debería estar haciendo esto con una máquina tan útil y bellamente diseñada que ya no se produce? ¿Qué pasa con todas las personas que se escribieron entre sí con esta máquina? ¿Cómo puede [él] destruir una máquina que parece estar imbuida de una personalidad? ¿Qué dice esto sobre nuestra relación personal con las máquinas, particularmente a medida que la tecnología y la sociedad avanzan y evolucionan?”.

Pero, como señala Mayer, estas preguntas nos rodean a medida que evolucionamos constantemente y superamos los límites de la tecnología. Esto incluye, entre otros, la IA, el poder de las redes sociales y el ADN programable.

Mayer pregunta: “¿Qué es una máquina? ¿Qué es la vida? Todas estas son preguntas que solo puedo responder haciendo mi trabajo. Todavía no tengo ninguna respuesta, pero siempre siento que me estoy acercando”.

Para conocer más sobre el proceso creativo de Mayer y su amor por las máquinas de escribir, mira el documental California Typewriter de 2016. Si te gustaría adquirir una escultura, Mayer da informes a través de Instagram.

Desde hace casi 30 años, Jeremy Mayer ha creado esculturas con piezas de máquinas de escribir.

Su trabajo incluye esculturas de aves, incluyendo algunas piezas móviles.

 

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Para crear sus esculturas, Mayer desarma diferentes máquinas de escribir y une las piezas.

No usa pegamento ni soldaduras; todo se mantiene unido usando solo piezas de máquina de escribir.

 

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“Elegir esta forma específica de hacer arte y fomentar una relación con una sola máquina ha sido un viaje gratificante y en constante cambio”.

Jeremy Mayer: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Jeremy Mayer para reproducir estas imágenes.

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Foto: Mint Owl

La práctica es esencial para perfeccionar tus habilidades de dibujo; la única forma de mejorar es aprendiendo las bases y repitiéndolas una y otra vez. Si necesitas pruebas, mira lo que solo algunos años de práctica pueden hacer por tu trabajo: si le dedicas el tiempo suficiente, el progreso puede ser significativo. Solo basta mirar el trabajo de artistas que han pasado de hacer bocetos simples a crear retratos completos en un abrir y cerrar de ojos.

Foto: EndOfAllHope

Si bien la mejor manera de perfeccionar tus habilidades es poniendo manos a la obra, decidir qué dibujar puede llegar a ser difícil. Como en todos los ámbitos creativos, a veces es difícil escapar los “bloqueos” que te detienen de poner el lápiz sobre el papel. Bueno, ¡no te preocupes! Aquí tenemos una lista de 100+ ideas fáciles de dibujo que puedes probar. Esta incluye desde objetos cotidianos hasta paisajes fantásticos; te recomendamos intentar dibujar un poco de todo para que ejercites tu creatividad.

¿Qué materiales puedes utilizar para dibujar?

Antes de ponerte a dibujar necesitarás algunas herramientas y materiales básicos. Aunque en realidad puedes usar cualquier lápiz y papel que tengas en casa, invertir en buenos materiales de dibujo es una gran forma de expandir tus habilidades y hará que tu trabajo final se vea de mayor calidad.

Lápices — los lápices de grafito son el material de dibujo por excelencia. Por lo general se venden por grado de dureza según la escala HB, donde “H” representa la dureza (“hardness”) y “B” la oscuridad del trazo (“blackness”), y la mayoría de los artistas usan una variedad de lápices con diferentes grados de dureza para dar vida a sus creaciones. Si aún no los tienes, aquí puedes ver nuestra lista de recomendaciones de los mejores lápices para dibujar.

Papel — el papel es otro elemento fundamental a la hora de dibujar, pero no todos los papeles son iguales. El papel de copiadora común funciona muy bien para bocetos simples, pero si planeas hacer un dibujo con mucho sombreado, difuminado o muchos borrones, lo mejor será utilizar un papel más grueso. Si quieres saber más, echa un vistazo a nuestra guía de tipos de papel, y aquí también puedes encontrar algunos de nuestros cuadernos de dibujo favoritos.

Lápices de colores — si estás buscando agregar color a tu trabajo, los lápices de colores son una gran opción. Para asegurarte de que sean de buena calidad, pon atención a la profundidad de sus tonos y opta por los que sean de base de aceite en vez de cera, ya que esta última puede ser frágil y difícil de mezclar. Aquí puedes ver nuestras recomendaciones de los mejores lápices de colores.

Plumas de dibujo y estilógrafos — aunque algunos prefieren la apariencia más rústica del grafito, muchos artistas usan estilógrafos y plumas de dibujo para repasar y darle más definición a su dibujo final. Si te gusta este estilo, echa un vistazo a nuestra selección de los mejores estilógrafos y plumas de dibujo.

Foto: Pixabay

Ideas para dibujar que cualquiera puede probar

Ideas de dibujos fáciles inspirados en la vida real:

• El interior de tu sala de estar
• Una planta de tu hogar
• Utensilios de cocina, como un batidor o un cucharón
• Un autorretrato
• Una foto familiar que te encante
• Una persona famosa que admires
• Tus pies (o los pies de alguien más)
• Tus manos (o las manos de alguien más)
• Un collar, anillo, u otro tipo de joyería; combínalos en un bodegón
• Tu mascota u otro animal (aquí es buena idea trabajar con una foto)
• Un ramo de flores (prueba usando lápices de colores)
• Árboles vistos desde tu ventana
• La fachada de tu edificio favorito
• Los objetos en tu mesa de centro
• Tus zapatos más llamativos
• Un animalito bebé
• Fruta fresca cortada a la mitad (los cítricos funcionan bien)
• Llaves de la casa con su llavero
• Una taza de café y un postre de un café local
• Un objeto interesante de tu repisa
• Tu animal silvestre favorito
• Una araña en una telaraña
• La cabeza de alguien vista desde atrás
• Dibuja a alguien en el transporte público
• Una manija o picaporte interesante
• Juega con la perspectiva: mira un edificio o un puente desde abajo
• Tela arrugada
• Un paisaje que ames (como un lugar a donde fuiste de vacaciones)
• Una copia de tu pintura o escultura favorita (puntos extras si está en un museo)
• Recrea ilustraciones científicas de insectos o animales (como las de John James Audubon)
• Tu ojo de cerca
• Un objeto en un plato de cristal
• Lo que traes puesto hoy
• La vista desde tu ventana
• Lo que ves desde el retrovisor de tu auto
• Tu cena de ayer…
• …Antes de que la prepararas (los ingredientes)
• Un grupo de hongos
• Un bodegón con tecnología vieja
• Tu animal de la granja favorito
• Una colección de tus objetos favoritos
• Un retrato de tu pareja
• Ve al parque y dibuja lo que veas
• Una rana en un nenúfar
• La vista desde un puente, ya sea desde arriba o desde abajo
• Cosas acogedoras
• Una escena de tus vacaciones preferidas
• El funcionamiento interno de un objeto mecánico (como un reloj)
• Tu condimento favorito; ¡no olvides la etiqueta!
• Una bailarina en puntas
• Alguien que luce preocupado y se muerde el labio
• Dibuja tu lista de pendientes
• Busca un recibo y dibuja uno de los productos que encuentres en él
• Haz un boceto del mismo objeto de por lo menos cinco maneras diferentes
• Documenta tu día, hora por hora, como si fuera un cómic

Ideas de dibujo para echar a volar tu imaginación

Foto: Javier Gonzalez

Ideas geniales de dibujo que requieren de tu imaginación:

• Combina dos cosas que no vayan juntas en la misma escena
• Dibuja un nuevo tanque para un pez
• Imagina un lobo hecho de ramas
• Cubre una hoja de papel con muchas flores
• Diseña el exterior de tu casa ideal
• Construye tu propio castillo
• Rellena una silueta con motivos geométricos
• Haz tu propio patrón
• Dibuja un bodegón al estilo cubista
• Ilustra un sueño que tú o alguien que conozcas haya tenido
• Imagina la vida bajo el agua
• Imagina un hogar en el espacio exterior…
• …y la nave que te llevará hasta allí…
• …y las criaturas que conocerás
• Dibuja tu memoria favorita
• Todo el mundo está al revés (arriba es abajo y abajo es arriba)
• Un animal vestido como humano
• Dale rostro a un objeto
• Un vecindario de casas del árbol
• Una amistad inusual
• Una loca fiesta de té
• Un montacargas cargando espagueti con albóndigas
• Vista aérea de tu lugar favorito
• Superhéroes en la vida real
• Dos personajes de la cultura pop combinados
• Interior al estilo de M.C. Escher
• Tu mundo en bloques de LEGO
• Un dibujo de un dibujo
• Cambia la escala de dos objetos
• Está lloviendo… (pero no es agua)
• Tu casa de ensueño
• Ilustra la frase “qué pequeño es el mundo”
• … o “la cabeza en las nubes”
• Imagina una ciudad en el espacio exterior
• Una llama usando un sombrero
• Muchas mandalas de formas y tamaños diferentes
• Ilustra una parte de tu canción favorita
• Reimagina un patrón conocido como el diseño de cachemira
• Ilustra un modismo
• Elige tres palabras al azar y dibuja lo que significan juntas
• Tu personaje de videojuegos favorito
• Un paisaje urbano en unos lentes
• Un animal como un globo
• Inventa tu propia flor; para hacerlo más difícil, dibuja el ramo entero
• Combina varios animales para crear una sola criatura (como un alebrije)
• Inventa una banda y dibuja la portada de su álbum
• Dibuja una nueva portada de álbum de un artista existente

Si quieres todavía más ideas para dibujar, ¡adquiere tu copia de 642 Things to Draw!

Aprende cómo ejecutar tus ideas de dibujos paso a paso

Si bien hay un número infinito de ideas para dibujar, algunos de los temas más populares tienden a estar relacionados con la naturaleza o giran en torno a la figura humana. Conoce cómo dibujarlos con algunas de las siguientes guías paso a paso. Quién sabe: ¡a lo mejor se te ocurrirán más ideas para dibujar mientras aprendes!

Foto: rawpixel

Cómo dibujar un gato de dos maneras diferentes — Ya sea que quieras dibujar miles de pequeños pelos o que estés buscando inventar al próximo Garfield, esta guía introducirá a la anatomía básica de los gatos y te enseñará cómo dibujarlos de una manera realista o estilizada.

Dibuja un tigre paso a paso — ¿Listo para dibujar un gran felino? Aprende a dibujar u tigre en 10 pasos.

Aprende a dibujar un panda — Los pandas están entre los animales más queridos del mundo, y es fácil ver por qué. Este tutorial te enseñará a dibujar un panda que sostiene una rama de bambú.

Descubre cómo dibujar una vaca en el campo — Ninguna representación de un paisaje bucólico está completa sin una vaca pastando en la hierba.  Aprende a dibujar una vaca con este tutorial paso a paso.

Haz un dibujo de un oso polar — En este tutorial te mostraremos como dibujar a un oso polar que pasea por el ártico bajo la luna llena.

Dibuja a un zorro ártico durmiendo en 9 pasos — Con su esponjoso pelaje y encantadora personalidad, no es de extrañar que los zorros se encuentren entre los animales más queridos del internet. ¡Y ahora puedes aprender a dibujarlos!

Dibujar la anatomía humana 

Fotos de archivo de bioraven/Shutterstock

Guía para aprender a dibujar manos — Dibujar la anatomía humana puede ser complicado, y una de las partes del cuerpo más difíciles de dibujar son las manos. En esta guía aprenderás sobre la estructura ósea de las manos y cómo los huesos y articulaciones se traducen en tu dibujo. Sigue estos pasos y tu dibujo sin duda cobrará vida.

Dibuja cualquier tipo de nariz — Entre todos los rasgos faciales, la nariz puede parecer poca cosa. Pero no la ignores: este rasgo sin duda ayuda a definir el rostro. Aquí exploramos la anatomía de la nariz y te mostramos cómo dibujar una de manera realista.

Haz que tus ojos cobren vida — Para aprender a dibujar un ojo realista es importante entender que no es solo la pupila lo que hace que se vea real. La forma del ojo, los pliegues del párpado y las pestañas también son importantes para lograrlo, y aquí lo repasaremos todo.

Perfecciona tus retratos con este tutorial — El dibujo de retratos ha ocupado un lugar importante en la historia del arte y sigue siendo un tema popular entre los artistas contemporáneos. Si tú también eres un alma creativa que quiere seguir con esta tradición, es importante que sepas cómo dibujar un rostro.

Aprende a dibujar un cráneo — Aprender a dibujar un cráneo es un ejercicio muy útil, incluso si ya has hecho un retrato antes. En este tutorial, veremos las proporciones de la cabeza, así como un sencillo proceso paso a paso para esbozar los huesos.

Sujetos inspirados en la naturaleza

Foto: Fotos de stock de Djem/Shutterstock

Celebra el otoño y dibuja una calabaza —Ya sean naranjas, verdes, lisas o rugosas, las calabazas son sinónimo de otoño.  Por eso hemos preparado este tutorial de dibujo paso a paso que te ayudará a dibujar una calabaza en pocos pasos.

Boceta un girasol en nueve pasos — Canaliza tu Van Gogh interno al dibujar uno de sus sujetos favoritos. En esta guía paso a paso te enseñamos cómo hacerlo.

Aprende a dibujar una rosa — La rosa es un símbolo de amor. Así como los poetas hablan sobre su belleza, los artistas dibujan sus delicados pétalos. Sin embargo, que las rosas sean populares no significa que sean fáciles de dibujar. Pero no te preocupes—aquí desglosamos sus formas para que dibujarlas sea tanto fácil como divertido.

¿Te interesan otras flores? Aquí te mostramos como dibujar una gran variedad de ellas — Hay tantos tipos de plantas en el mundo que es imposible aprender a dibujar cada una de ellas. Pero una vez que entiendas su estructura básica, podrás usar ese conocimiento para dibujar cualquier flor que te guste.

Foto: Rawpixel

Si, por otro lado, quieres dibujar todas las cosas, mira algunos grandes tutoriales en YouTube. Estos artistas te ayudarán a aprender a dibujar de forma gratuita.

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Foto: Fotos de stock de Yuriy Golub/Shutterstock

En cualquier disciplina, es importante tener una base sólida desde la cual crecer. En el caso de las artes visuales, es fundamental conocer los elementos del arte. Estos elementos creativos son esenciales, y entender sus funciones es importante tanto para los artistas como para los amantes del arte. Cuando tienes un buen conocimiento sobre los elementos del arte, es más fácil analizar, descifrar y crear cualquier tipo de obra de arte, desde pinturas y fotografías hasta esculturas y piezas arquitectónicas.

De hecho, muchos de estos elementos se enseñan en la infancia como parte de la educación artística básica. Pero aunque los conceptos puedan parecer sencillos, una vez dominados pueden extenderse y crecer en todas las direcciones, independientemente del estilo de arte que se esté creando o apreciando. Los elementos del arte son componentes visuales concretos que funcionan en conjunto con los principios artísticos que los organizan y armonizan.

La línea, el color, la figura, la forma, el valor, el espacio y la textura son los siete elementos básicos del arte y a menudo se superponen e influyen entre ellos. Tanto si se trata de dibujar, pintar, esculpir o diseñar, todos estos componentes del arte deben tomarse en consideración. Una vez que conozcas estos siete elementos visuales, te resultará aún más fácil crear tus propias obras de arte.

Dicho esto, los elementos del arte no solo son útiles para los artistas. Cualquier amante del arte podrá apreciar y encontrar un mayor significado en una obra al conocer más sobre estos componentes visuales básicos.

¿Cuáles son los siete elementos del arte?

Línea

Foto: Fotos de stock de Rabbit Run 11/Shutterstock

Estas marcas abarcan una distancia entre dos puntos y pueden ser rectas o curvas. En las artes visuales, las líneas van más allá de marcas y contornos: también pueden ser implícitas o abstractas. Ya sean bidimensionales o tridimensionales, no se puede negar que las líneas tienen un gran impacto en el resto de los elementos del arte. Pueden utilizarse para crear formas y figuras, así como para dar una sensación de profundidad y estructura. Las líneas son la base del dibujo y constituyen una poderosa herramienta por sí solas. El uso de diferentes tipos de líneas—continuas, discontinuas, verticales, dentadas, horizontales—cambia drásticamente la psicología de una obra de arte y tiene un gran impacto en el espectador.

Color

“Jarrón con lirios” de Vincent Van Gogh. 1890.

Al trabajar con el matiz, el valor y la saturación—tres componentes básicos del color—los artistas pueden expresar una amplia gama de emociones. No hay nada que cambie más el impacto emocional de una obra de arte que el color. Maestros como Van Gogh, Monet y Toulouse-Lautrec manipularon el color en sus pinturas para provocar diferentes sentimientos. El color puede utilizarse de forma simbólica o para crear un patrón. Puede seleccionarse para crear contrastes o para transmitir un estado de ánimo específico.

Foto: Fotos de stock de JKesler/Shutterstock

Tener unas buenas bases de teoría del color puede ayudar a un artista a utilizar mejor los tonos que tiene a su disposición. En este sentido, el círculo cromático moderno es una herramienta maravillosa. Está diseñado para explicar cómo se organiza el color y cómo interactúan los colores entre ellos. Por lo general, en el centro de la rueda del color se encuentran los tres colores primarios y en el círculo exterior, los colores secundarios; es decir, la mezcla de dos colores primarios. En la parte exterior del círculo se encuentran los colores terciarios, la mezcla de colores primarios con un color secundario adyacente.

Figura

“Contracomposición simultánea” (1930) de Theo van Doesburg (Foto: dominio público vía WikiArt)

Producto de líneas cerradas, las figuras son bidimensionales, planas y solo tienen alto y ancho. Las figuras geométricas, como los círculos y los cuadrados, son matemáticas y precisas, mientras que las figuras orgánicas se inspiran en la naturaleza y tienden a ser curvas y abstractas. Los collages de Henri Matisse hacen un gran uso de las figuras orgánicas, mientras que Piet Mondrian es conocido por su uso magistral de figuras geométricas en sus pinturas. Las figuras pueden utilizarse para controlar cómo percibimos una composición. Por ejemplo, los triángulos pueden ayudar a atraer la mirada hacia un punto concreto, mientras que los círculos representan la continuidad.

Forma

Centro Heydar Aliyev (2007-2012) de Zaha Hadid. (Foto: Aleksandr Zykov)

Cuando una figura toma profundidad y se vuelve tridimensional, entonces adquiere forma. Cilindros, pirámides y esferas son algunas de las formas más comunes, aunque también pueden ser amorfas. En la escultura, la forma es lo más importante, aunque puede introducirse fácilmente en el dibujo y la pintura mediante técnicas de arte en 3D. El escultor barroco Bernini fue un maestro de la forma, tallando sus esculturas para que pudieran disfrutarse desde cualquier perspectiva. La forma también es un elemento importante en la arquitectura: muchos arquitectos aclamados como Frank Lloyd-Wright, Zaha Hadid y Tadao Ando tienen muy en cuenta este elemento en sus diseños.

Valor

“Cordillera Teton y el río Snake” (1942) de Ansel Adams. (Foto: dominio público vía Wikimedia Commons)

Relacionado con el color, el valor es la claridad y la oscuridad de un color. El valor más claro es el blanco y el más oscuro el negro, y la diferencia entre ellos se define como contraste. Jugar con el valor no solo puede cambiar ciertas formas, sino también influir en el carácter de la obra. El valor es tan importante que los italianos crearon un término—el claroscuro—que se refiere específicamente al uso de la luz y la sombra en una obra de arte. El pintor barroco Caravaggio fue un maestro en el uso del claroscuro en sus pinturas al óleo. El fotógrafo Ansel Adams es otro artista que utilizó el valor de forma experta para crear composiciones interesantes en sus fotografías de paisajes.

Espacio 

(Foto: Guillaume Briard)

Este elemento del arte puede manipularse en función de cómo el artista coloque las líneas, las figuras, las formas y el color. La ubicación de estos otros elementos crea el espacio. El espacio puede ser positivo o negativo. El espacio positivo es un área ocupada por un objeto o una forma, mientras que el espacio negativo es un área que se extiende entre, a través, alrededor o dentro de los objetos. Los artistas suelen pensar en el primer plano, el segundo plano y el fondo de sus obras de arte, colocando a propósito formas y líneas en todo el espacio para conseguir la composición perfecta. La sensación de profundidad en las obras bidimensionales a menudo se consigue mediante la perspectiva, que a su vez puede basarse en líneas o colores.

Textura

“Pauline Bonaparte como Venus Victrix” (1805-1808) de Antonio Canova. (Foto: dominio público vía Wikipedia)

La textura es un elemento del arte que también juega con nuestro sentido del tacto. Se define como una descripción de la forma en la que algo se siente o podría sentirse. A veces se trata de una textura real que se puede sentir, como en el caso de la artista islandesa Hrafnhildur Arnardóttir, quien crea instalaciones artísticas con cabello sintético. Otras veces, la textura es una textura visual implícita que es bidimensional. Suave, áspera, dura, blanda, peluda, esponjosa y rugosa son algunas de las diferentes texturas que evocan diferentes respuestas.

Por ejemplo, un artista que busca un resultado hiperrealista querrá que sus nubes se vean esponjosas, mientras que otro que desea subvertir las convenciones podría jugar con la textura para crear una experiencia surrealista para el espectador. El escultor del siglo XIX Antonio Canova era un maestro en este sentido, tal como lo demuestra su retrato de la hermana de Napoleón: la mujer descansa sobre un cojín que parece tan suave que es difícil creer que sea de mármol.

¿Te gustaría empezar a utilizar los siete elementos del arte? Aquí tienes algunos tutoriales de dibujo que te ayudarán a empezar.

• • Rasgos faciales que son famosos por ser difíciles de dibujar: aprende a dibujar cualquier tipo de nariz humana en solo unos pasos.
  • ¿Te gusta el arte de fantasía? Aprende a dibujar un unicornio o un dragón con estas sencillas instrucciones paso a paso.
  • Los ojos son la ventana del alma: aprende a dibujar ojos en este tutorial.
  • ¿Quieres retratar a tu mascota? Aprende a dibujar perros en esta guía paso a paso.
  • ¿Te interesan los insectos? Aprende cómo dibujar una mariposa en 5 sencillos pasos.
  • El agua es una parte esencial de nuestras vidas, pero ¿sabes cómo dibujar este elemento ambiguo? Aquí te enseñamos cómo dibujar agua de seis maneras diferentes.
  • Inspírate en la naturaleza y aprende a dibujar tres tipos de árboles diferentes.
  • Las personas son uno de los sujetos más fascinantes y complejos de dibujar. Mientras que los rasgos faciales captan la apariencia de una persona, el pelo puede decir mucho sobre su personalidad. Aprende a dibujar diferentes tipos de cabello.

¿Quieres aprender más? Aquí tienes algunos cursos en línea que podrían serte útiles.

• Técnicas de ilustración para desbloquear tu creatividad: Experimenta con diferentes técnicas de dibujo y echa a volar la imaginación con este curso de Domestika.
• Urban Sketching: expresa tu mundo con una nueva perspectiva: Redescubre tu entorno e incorpora el dibujo en tu rutina diaria con este curso de Domestika.
• Realistic Textures in Colored Pencil (texturas realistas con lápices de colores): Aprende a dibujar pieles y plumas con detalles reales en este curso de Craftsy (en inglés).
• Creación de paletas de color con acuarela: Aprende a desarrollar esquemas de color con la pintora e ilustradora Ana Victoria Calderón en este curso.
• Ilustración expresiva a toda línea: Descubre las posibilidades de la línea para crear ilustraciones atractivas y dinámicas en este curso.

Este artículo ha sido editado y actualizado.

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La artista Dimitra Milan es una especie de prodigio de la pintura. Ha sido una artista profesional desde que era una adolescente, alentada por sus padres artistas y guiada por su habilidad innata para combinar elementos realistas con escenarios coloridos y etéreos. La pintora describe esta llamativa fusión como “realismo abstracto”. Cada pieza, con sus formas reconocibles y elementos que fluyen libremente, invitan a estudiar y contemplar el color, el simbolismo y la técnica.

Mujeres y animales son dos temas recurrentes en la obra de Milan. “Siempre vuelvo a esta historia de una mujer con un animal”, le dice a My Modern Met. “Las mujeres que pinto son símbolos, representan nuestro ser más verdadero donde sabemos que en el fondo todo es posible. Todo en la naturaleza tiene un significado más profundo más allá de nuestra comprensión superficial de su función, especialmente los animales.

“Cuando pinto, no me propongo ilustrar un concepto; trato de encontrar lo que significa después de que termino. De todos los animales que pinto, los lobos siguen siendo mis favoritos porque hay muchos matices dentro de su simbolismo y tienen un gran significado personal para mí”.

Si, como a nosotros, las obras de Milan te parecen hermosas y enigmáticas, puedes aprender a pintar como ella en My Modern Met Academy, nuestra plataforma de aprendizaje electrónico con cursos en línea sobre una gran variedad de temas creativos. El curso de Milan se titula Abstract Realism: Introduction to Mixed Media Painting (“Realismo abstracto: introducción a la pintura de técnica mixta”) y está disponible en inglés. En el transcurso de varias lecciones, trabajarás con ella para crear tus propias pinturas de realismo abstracto.

“Este es un proceso súper divertido y expresivo”, Milan dice sobre su curso. “Combinar la abstracción con el realismo puede parecer complicado, pero después de tomar esta clase sentirás que puedes pintar cualquier cosa que te propongas”.

Dimitra Milan ha sido una artista de forma profesional desde que era adolescente.

Ha sido alentada por sus padres artistas y guiada por su habilidad innata para combinar elementos realistas con escenarios coloridos y etéreos.

La artista describe la llamativa fusión representada en su obra como realismo abstracto.

Las mujeres y los animales son dos tema recurrentes en el creciente portafolio de Milan.

Puedes aprender a pintar como Milan en su curso en línea en My Modern Met Academy llamado Abstract Realism: Introduction to Mixed Media Painting.

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Rodin, Miguel Ángel, Donatello: estos son los nombres de los grandes visionarios detrás de algunas de las esculturas más importantes de la historia del arte. Escultores como ellos poseen el gran talento de manipular sus materiales para dar vida a sus sujetos y desafiar las expectativas del público. Ya sea cincelando mármol o fundiendo en bronce, el poder de la escultura es innegable.

A lo largo de la historia, han existido varios escultores cuyo legado ha sobrevivido al paso del tiempo. Tal vez son recordados por su habilidad de crear figuras realistas o quizás se les aprecia por su voluntad de ampliar sus límites y desafiar expectativas. Sea cual sea su estilo, hemos compilado una colección de grandes escultores que han creado algunas de las piezas más famosas del arte occidental.

Desde la antigua Grecia hasta los modernistas del siglo XX y más allá, esta mirada al trabajo de 15 escultores famosos ofrece una guía del desarrollo del arte en occidente. Sin sus contribuciones, es difícil imaginar cómo serían las artes visuales el día de hoy.

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Praxíteles (siglo IV a.C.)

Praxíteles, “Afrodita de Cnido”, mármol, copia romana de un original griego creado en el siglo IV a.C. (Foto: Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps vía Wikimedia Commons, dominio público)

Aunque no sabemos mucho sobre los escultores de la antigua Grecia, un nombre ha sobrevivido al paso del tiempo. Gracias al trabajo de grandes autores como Plinio el Viejo y Vitruvio, Praxíteles se ha convertido en un referente de la escultura griega antigua. No se conserva ninguna de sus estatuas originales, pero conocemos su trabajo gracias a copias romanas de las originales. La Afrodita de Cnido es su pieza más famosa y es el primer ejemplo de una figura femenina a gran escala representada al desnudo. Esta escultura influyó en la forma en que la figura femenina sería representada en la escultura en los siglos venideros.

Esculturas importantes: Afrodita de Cnido, Hermes con el niño Dionisio, Apolo Sauróctono

Donatello (c. 1386-1466)

Donatello, “María Magdalena penitente”,  (Foto: Divot [Dominio público], vía Wikimedia Commons)

Esculturas importantes: David (1440), Gattamelata (1453), María Magdalena penitente (1455)

Miguel Ángel (1475-1564)

Miguel Ángel, “David”, 1504. (Foto: Fotos de archivo de Marta Pons Moreta/Shutterstock)

Aunque solemos relacionarlo con los frescos debido a su increíble trabajo en el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel en realidad se consideraba a sí mismo un escultor. El artista creía que cada bloque de mármol contenía una obra de arte esperando salir al mundo, y que solo necesitaba tallarlo hasta encontrarla. Su icónica escultura de el David es uno de los símbolos más conocidos del Renacimiento italiano y ha inspirado a artistas de todas partes del mundo durante siglos. La dedicación de Miguel Ángel hacia su arte no conocía límites, y siguió trabajando hasta una semana antes de su muerte a la edad de 88 años.

Esculturas importantes: La Piedad (1499), David (1504), Esclavo moribundo (1516)

Gianlorenzo Bernini (1598-1680)

Ginalorenzo Bernini, “El rapto de Proserpina”, 1622. (Foto: Fotos de archivo de wjarek/Shutterstock)

Puede que no haya ningún otro artista que defina mejor el Barroco que Gianlorenzo Bernini, cuya extraordinaria carrera abarcó casi 70 años. Como niño prodigio, Bernini ya creaba esculturas de mármol a gran escala en su adolescencia. Eventualmente se convertiría en el arquitecto de la Basílica de San Pedro —siguiendo los pasos de Miguel Ángel— creando la icónica plaza y la columnata de la basílica, así como su baldaquino central de bronce. Un experto de los materiales, Bernini es conocido por su grandiosa habilidad para crear movimiento y llenar sus piezas de emociones. En sus manos, el mármol se transforma en carne y hueso, que parece tan real que casi querrás tocarlo.

Esculturas importantes: El rapto de Proserpina (1622), Apolo y Dafne (1625), Éxtasis de santa Teresa (1652)

Antonio Canova (1757-1822)

Antonio Canova, “Eros y Psique”, 1793. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

El escultor italiano Antonio Canova fue uno de los mayores representantes del Neoclasicismo en Europa. Su trabajo se inspira en la escultura de la antigua Grecia, y gran parte de su obra se centra alrededor de temas mitológicos. Si bien la influencia de Bernini es clara en sus primeras obras, Canova pronto dejó atrás las escenas melorámáticas del Barroco, optando por crear esculturas con una frialdad exquisita y libres de cualquier sentimiento o perturbación.

Esculturas importantes: Eros y Psique (1793), Las tres Gracias (1817), Teseo y el centauro (1819)

Auguste Rodin (1840-1917)

Auguste Rodin, “El pensador”, 1902 (Foto: Fotos de archivo de Sean Neal/Shutterstock)

Muchos consideran que el escultor francés Auguste Rodin trajo la escultura clásica a la edad moderna. De formación clásica, atrajo la atención internacional tras la exposición de sus obras en la Feria Mundial de París. Rodin sigue siendo uno de los artistas más reconocidos del mundo, con varias fundiciones de su obra El pensador localizadas en diferentes ciudades alrededor del mundo. Rodin es conocido por su habilidad para renunciar al realismo y la decoración en favor del uso de la textura, los detalles de la superficie y luces y sombras para transmitir emociones. Su enfoque en la emoción interior y el sufrimiento representa un punto de inflexión en la historia del arte y sirve como sello distintivo del modernismo.

Esculturas importantes: El beso (1882), El pensador (1902), La puerta del Infierno (1917)

Constantin Brancusi (1876-1957)

Constantin Brancusi, “Columna sin fin”, 1938. (Foto: Fotos de archivo de Radu Bercan/Shutterstock)

Constantin Brancusi, uno de los escultores más influyentes del siglo XX, fue un pionero del modernismo. Las tradiciones populares son una de las más grandes influencias del artista rumano, aunque también buscó inspiración en culturas fuera de Europa. Sus esculturas son conocidas por sus líneas limpias y geométricas, tal como lo demuestra su aclamada serie Bird in Space. Brancusi también creó una magnífica escultura al aire libre. Columna sin fin es una de las tres obras que creó para conmemorar a los héroes rumanos de la Primera Guerra Mundial. Las formas apiladas incluyen un medio romboide en la parte superior del tótem, que simboliza el infinito.

Esculturas importantes: La musa dormida (1910), Bird in Space (1928), Columna sin fin (1938)

Alberto Giacometti (1901-1966)

El escultor suizo Alberto Giacometti es quizás mejor conocido por sus delgadas y alargadas figuras. Su textura áspera permite al espectador ver la fuerza del escultor, que también fue pintor y grabador. Durante un periodo de seis años, a partir de 1938, Giacometti se centró en esculturas de pequeña escala, creando piezas de no más de 7 centímetros de altura. La obra de Giacometti es a menudo un referente cuando se habla del existencialismo y de la condición humana. Muchos estudiosos han sugerido que sus alargadas figuras se relacionan con la falta de significado de la vida del siglo XX.

Esculturas importantes: La nariz (1950), El gato (1954), El hombre que camina (1961)

Alexander Calder (1898-1976)

 

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El artista estadounidense Alexander Calder es famoso por haber ideado un nuevo tipo de escultura cinética. Conocidas como móviles, estas piezas exploran las capacidades del arte escultórico al incorporar movimiento libre, un elemento presente tanto en sus objetos móviles de suelo como en sus móviles suspendidos. Aunque hoy el nombre de Calder es sinónimo de este tipo de arte, su trabajo también incluye distintos proyectos creativos, desde una serie de esculturas inspiradas en el circo hasta una aeronave que embelleció en los años 70.

Esculturas importantes: Cirque Calder (1926-1931), serie de Móviles

Henry Moore (1898-1986)

Henry Moore, “Figura reclinada”, 1938 (Foto: Fotos de archivo de Ron Ellis/Shutterstock)

Conocido por sus esculturas públicas semi-abstractas, el artista inglés Henry Moore fue el escultor más relevante después de la Segunda Guerra Mundial, tanto en Gran Bretaña como en el extranjero. Su trabajo se centra en figuras reclinadas con el tema recurrente de madres e hijos. Las figuras de Moore a menudo se diseccionan en múltiples piezas; sin embargo, sus líneas limpias permiten a los espectadores ver claramente la figura dentro de la forma abstracta. Los aficionados a su trabajo querrán visitar su finca de 24 hectáreas en Perry Green, Hertfordshire. Ahora es propiedad de la Fundación Henry Moore y alberga la mayor colección de su obra.

Esculturas importantes: Figura reclinada (1938), Óvalo con puntos (1968-1070)

Sol LeWitt (1928 – 2007)

Sol Lewitt, ‘Tower', 1989. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)

Reconocido como uno de los fundadores del minimalismo y del conceptualismo, Sol LeWitt saltó a la fama a finales de los años 60. El artista estadounidense prefería el término “estructuras” en vez de esculturas. Se interesó mucho por las estructuras modulares, que a menudo eran de naturaleza cúbica, y gran parte de su trabajo se realizaba con bloques de hormigón apilados. Más tarde en su vida, comenzó a incorporar formas curvilíneas y colores saturados, lo que supuso un cambio total con respecto a su producción anterior. Un artista polifacético, LeWitt también es reconocido por sus dibujos en paredes, gouaches y proyectos arquitectónicos.

Esculturas importantes: Tower (1989), Pirámide de cuatro lados (1997)

Louise Bourgeois (1911-2010)

Louise Bourgeois, ‘Maman', 1999. (Foto: Fotos de archivo de tichr/Shutterstock)

Conocida por su arte público y sus instalaciones, la escultora francoestadounidense Louise Bourgeois alcanzó la fama internacional en 1982, después de que el Museo de Arte Moderno de Nueva York realizara su primera retrospectiva. Para ese entonces, la artista ya tenía más de 70 años y había disfrutado de una prolífica carrera. Basándose en sus propias experiencias de vida, sus esculturas exploran a menudo temas de familia, sexualidad y muerte. En la década de 1990, Bourgeois comenzó a utilizar la araña como símbolo en su arte. Maman fue producida como una edición de seis fundiciones de bronce y mide más de 9 metros de altura. La obra es una oda a la madre de la escultora, que murió cuando era niña, y habla de su fuerza y protección hacia su familia.

Esculturas importantes: Miedos (1992), Arco de histeria (1993), Maman (1999)

Fernando Botero (1932)

Fernando Botero, “Caballo”, 2013. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

El prolífico artista colombiano Fernando Botero es uno de los artistas latinoamericanos más famosos y cotizados del siglo XX. Su estilo, que se conoce como “boterismo”, se caracteriza por sus figuras regordetas. Sin embargo, Botero ha señalado que él no pinta “personas gordas”, sino volumen. Este amor por las figuras voluminosas se traslada también a sus esculturas, que hoy están expuestas en espacios públicos de todo el mundo.

Esculturas importantes: Torso de mujer (1987), Gato (1989), Caballo (2013)

Anish Kapoor (1954)

Anish Kapoor, “Cloud Gate”, 2006. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0)

Mediante sus exploraciones del color, el material y la forma, el escultor indobritánico Anish Kapoor nos invita a reflexionar sobre la forma en la que percibimos la realidad. Sus cautivadoras esculturas transforman el espacio e invitan al público a volverse partícipes de ellas a través de superficies reflejantes y campos de color que parecen no tener fin. Así, no es ninguna sorpresa que Kapoor sea considerado uno de los escultores más influyentes y cotizados de la actualidad.

Esculturas importantes: Sky Mirror (2006), Cloud Gate (2006), Descension (2014)

Jeff Koons (1955)

Jeff Koons, “Puppy”, 1992. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)

Jeff Koons es una de las figuras más reconocidas del arte contemporáneo. Este artista estadounidense irrumpió en el mundo del arte en los años 80 con una serie de aspiradoras comerciales que hizo pasar por esculturas. Desde entonces, ha seguido desafiando nuestras percepciones sobre la cultura de consumo a través de piezas que van desde estatuas inspiradas en la cultura pop hasta esculturas gigantes de animales hechos de globos.

Esculturas importantes: Rabbit (1986), Puppy (1992), Balloon Dog (1993)

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El artista Brett Allen Johnson captura la serena belleza del suroeste de Estados Unidos en pinturas al óleo que envuelven los sentidos. El artista plasma cuidadosamente sus recuerdos de lugares desérticos vírgenes en los que dominan las formaciones rocosas de color rojo cubiertas por cielos azules brillantes. Juntos, crean instantáneas fascinantes del terreno icónico.

El amor de Johnson por esta región comenzó cuando era niño, con viajes frecuentes de su estado natal, Utah, a Sedona, Arizona, donde residían sus abuelos. A través de su formación en dibujo, diseño y pintura, comenzó a cultivar un estilo único que enfatiza la luz y las formas de los paisajes. “Estas tierras baldías y desiertos, los cañones áridos, las playas y las grandes cuencas: aquí es donde comenzó mi trabajo, donde comienza”, dice Johnson. En sus deslumbrantes vistas, el paisaje es el tema principal, y las personas, los animales e incluso las plantas que cohabitan son elementos decorativos en comparación.

Si bien estas representaciones parecen imágenes del desierto, generalmente nacen de la imaginación de Johnson. “No suelo pintar lugares reales”, explica. “Regularmente invento obras enteras o las pinto de memoria. Me gusta invitar a los observadores a un mundo que es simplemente similar al que conocen, un mundo adyacente. Tal vez, el Oeste adyacente”. Las imponentes montañas, los cielos cerúleos y el suelo salpicado de cactus que tan a menudo aparecen en las pinturas de Johnson son algunas de las iconografías comunes que asociamos con el paisaje del sudoeste. Del mismo modo, el caballo y el vaquero ocasionales imbuyen estos espacios abiertos con un romanticismo escapista.

Puedes comprar pinturas de Johnson a través de Maxwell Alexander Gallery en Los Ángeles y mantente al día con las creaciones más recientes del pintor siguiéndolo en Instagram.

El artista Brett Allen Johnson crea exquisitas pinturas inspiradas en el desierto.

Se inspira en la serena belleza del suroeste de Estados Unidos.

Johnson pinta lugares a partir de sus recuerdos del desierto, creando una imagen romántica.

Brett Allen Johnson: Sitio web | Instagram

My Modern Met obtuvo permiso de Brett Allen Johnson para reproducir estas imágenes.

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La artista japonesa Kaori Kurihara esculpe extravagantes esculturas de cerámica con forma de frutas y plantas exóticas, tanto reales como imaginarias. Sus exquisitas piezas se inspiran en gran medida en el mundo vegetal, especialmente en las formas y la repetición geométrica natural de las formas de la naturaleza. ¿Su primera musa? El durián: una fruta puntiaguda, comúnmente encontrada en las regiones del sudeste asiático, que es conocida por su apestoso olor y su sabor distintivo.

“Me sorprendió su forma única y magnífica”, comparte Kurihara. “Gracias a este descubrimiento, empecé a crear mi serie de ‘frutas imaginarias'… Me inspiro en la naturaleza y busco un equilibrio entre la realidad y la fantasía. Es mi propia imaginación”.

Kurihara también se inspira en las formas y texturas de otras frutas exóticas y de la vegetación tropical. Y con un pie firmemente plantado en la naturaleza y el otro rozando el mundo de los sueños, Kurihara elabora piezas imaginativas que son realistas y oníricas a a la vez. Cada una de ellas se construye a mano con una gran atención al detalle antes de ser adornadas con colores vívidos y llamativos.

“Quiero representar algo vivo, y sentir la vitalidad de mis piezas”, dice Kurihara. “Cada parte de la pieza debe ser tocada y trabajada, nunca dejo una parte en blanco… Si siento una conexión visual, eso significa que he tenido éxito”.

A pesar de lo intrincadas que son sus piezas de cerámica, Kurihara admite que el paso más largo del proceso es decidir qué pigmentos de colores usará para decorar sus creaciones. “La propia pieza me guía hacia sus colores”, explica. Cuando la visión de Kurihara se materializa, es difícil no quedar hipnotizado por las exquisitas texturas y los tonos matizados que adornan la superficie de sus extrañas y encantadoras frutas.

Mira más imágenes de las magníficas esculturas de cerámica de Kurihara a continuación, y sigue a la artista en Instagram y Facebook para estar al día con sus últimas creaciones.

La artista japonesa Kaori Kurihara fabrica magníficas esculturas de cerámica que rozan los límites entre la fantasía y la realidad.

Sus creaciones se inspiran en frutas exóticas y otros motivos naturales.

La artista combina elementos —tanto reales como imaginarios— para crear sus propias “frutas imaginarias”.

Cada pieza está hecha a mano y está adornada con una gran cantidad de detalles.

Y cuando la visión de Kurihara cobra vida, es difícil no quedar hipnotizado por sus encantadoras creaciones de cerámica.

Kaori Kurihara: Sitio web | Instagram | Facebook

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La artista Zarina Situmorang destaca la delicada belleza de las manos en sus exquisitas pinturas al óleo. Inspirada en el dramático uso de claroscuro de Caravaggio, pinta pares de manos sobre un fondo negro y añade una suave iluminación brillante que le da una sensación de delicadeza a la composición.

Esta serie de pinturas en curso se titula Warmth (“Calidez”). “Me inspiran mucho las emociones, quiero contar una historia con mis cuadros”, dice Situmorang a My Modern Met. Por eso se inclina por las representaciones de manos. A través de sus diferentes gestos, es capaz de comunicar una gran variedad de sentimientos. “¡Me fascinan las manos! Dicen más que las palabras: puedes ver la emoción o la tristeza con solo mirar los gestos de las manos”, añade. “Me dan la capacidad de hablar de esperanza, calidez y fe sin siquiera mostrar la cara”.

Situmorang realza sus pinturas de las manos aprovechando el poder de la luz. Cada uno de sus cuadros presenta un fondo sólido, similar a un escenario oscuro. A continuación, incluye una cálida luz amarilla que emana de las palmas de las manos, y su misterioso origen da una sensación general de misterio a la imagen. “La serie Warmth está inspirada en mis búsquedas de hogar: cuando era niña, no me sentía segura en el lugar donde vivía”, explica. “Siempre decía ‘quiero ir a casa', aunque no tenía otro espacio seguro. Así que al final lo encontré en mí misma, en mis propias manos”.

Puedes comprar impresiones de edición limitada y pinturas originales a través de la tienda en línea de Situmorang, y síguela en Instagram para estar al tanto de todos sus proyectos.

La artista Zarina Situmorang crea exquisitas pinturas al óleo de manos.

Esta serie, titulada Warmth, muestra pares de manos iluminadas por una cálida luz amarilla.

Utiliza las manos y la luz para comunicar diferentes emociones y sentimientos.

Zarina Situmorang: Sitio web | Instagram

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